Breve biografia di Gustave Courbet. Artista Gustave Courbet - vernissage: il mondo dei colori classici - l'arte di essere - catalogo articoli - linee vita

Gustave Courbet (10 giugno 1819, Ornans - 31 dicembre 1877, La Tour de Pellier, Svizzera), un eccezionale pittore francese, un notevole maestro della ritrattistica realistica.

“…non è mai appartenuto a nessuna scuola, a nessuna chiesa… a nessun regime, se non quello della libertà”.

Nato a Ornans, nel sud-ovest della Francia. Figlio di un ricco contadino, che in seguito divenne sindaco della città. Ha studiato disegno al seminario di Ornans. Ha preso lezioni dal pittore Flajulo. Avendo deciso di diventare pittore, si recò a Parigi (1840), dove studiò con entusiasmo le opere di maestri antichi e contemporanei e dipinse dal vero. Le prime opere dell'artista (metà degli anni Quaranta dell'Ottocento) includevano dipinti su soggetti religiosi, diversi autoritratti e ritratti e una serie di composizioni di natura romantica.

....... Gli anni '50 dell'Ottocento sono il periodo più favorevole per l'opera di Courbet, quando furono create le sue opere più importanti, ad esempio "Stone Crusher" - un metro e sessantacinque per due cinquantanove. In una lettera a Vey, Courbet descrive la tela e racconta le circostanze che hanno dato origine alla sua idea: “Stavo andando sul nostro carro al castello di Saint-Denis, vicino a Sein-Vare, non lontano da Mezières, e mi sono fermato a guarda due persone: erano la completa personificazione della povertà. Ho subito pensato che questo fosse il soggetto di un nuovo dipinto, li ho invitati entrambi nel mio studio la mattina dopo, e da allora ho lavorato al dipinto... su un lato della tela c'è la raffigurazione di un settantenne -vecchio uomo; è chino sul lavoro, il martello è alzato, la pelle è abbronzata, la testa è ombreggiata da un cappello di paglia, i pantaloni di stoffa ruvida sono tutti rattoppati, i talloni sporgono dai calzini e dagli zoccoli strappati, un tempo blu che sono scoppiati sul fondo. Dall'altro lato c'è un ragazzo giovane con la testa polverosa e la faccia scura. I lati e le spalle nudi sono visibili attraverso una camicia unta e sbrindellata, le bretelle di cuoio sostengono quelli che una volta erano pantaloni e le scarpe di cuoio sporche hanno buchi su tutti i lati. Il vecchio è in ginocchio; il ragazzo trascina un cesto di macerie. Ahimè! È così che molte persone iniziano e finiscono la loro vita. Nel suo romanzo Le Biez de Serines, scritto poco dopo, Francis Vey utilizza quasi alla lettera le frasi della lettera di Courbet per descrivere due frantoi di pietre sul ciglio della strada.

Courbet scrisse ciascuno dei suoi modelli separatamente. Un vecchio di nome Gaji trascorse tutta la vita lavorando sulle strade vicino a Ornans. Il dipinto piacque molto agli Ornan e, secondo Proudhon, alcuni si offrirono addirittura di acquistarlo e di appenderlo sull'altare della chiesa parrocchiale, perché conteneva una morale. Fu Proudhon che nel 1864 definì Courbet il primo vero artista sociale, e “Il frantoio di pietre” il primo dipinto sociale: “Il frantoio di pietre” è una presa in giro della nostra industrializzazione, che ogni giorno esce con macchine meravigliose... per esibirsi ... una varietà di lavori... e non è in grado di liberare una persona dal lavoro fisico più brutale...” Ma Proudhon ha sempre visto in ogni film solo un trattato sociologico, e non c'è motivo di supporre che Courbet, quando concepì e realizzò Il frantoio di pietre, fosse interessato solo al suono sociale della trama. La lettera a Wei indica che, sebbene l'artista compatisse gli sfortunati lavoratori ed fosse consapevole della tragedia della loro esistenza disperatamente dura e povera, era ugualmente attratto dal lato puramente pittoresco della scena. Più tardi, quando l'influenza di Proudhon sull'artista si fece più forte, Jourbet adottò l'interpretazione moralizzante dell'amico e riuscì talvolta a convincersi addirittura che questo concetto fosse suo fin dall'inizio. Nel 1866, quando Ideville, amico e futuro biografo di Courbet, gli chiese: “Intendevi esprimere una protesta sociale con le figure di queste due persone, piegate sotto il peso del superlavoro? Al contrario, vedo in loro una mite sottomissione al destino, ed evocano in me un sentimento di pietà”, ha risposto l’artista: “Questa pietà... nasce dall’indignazione per l’ingiustizia, e quindi, senza nemmeno porsi un simile obiettivo , ma semplicemente descrivendo ciò che ho visto, ho sollevato una questione che loro [i reazionari] chiamano la questione sociale”.
E anche “Funerali a Ornans” (1849), “Village Ladies” (1851). Una volta ammessi al Salon, i dipinti suscitarono scandalo. La critica accademica definì l'artista “apostolo della bruttezza” e della volgarità. Anche "Bathers", apparso due anni dopo, provocò rumorose proteste. In essi, Courbet abbandonò l'idealizzazione del corpo femminile, raffigurando una contadina invece di una bellezza da salone.

La delusione lo spinse a costruire a proprie spese il “Padiglione del Realismo” sul territorio dell'Esposizione Mondiale e ad organizzare lì un'esposizione delle sue opere. La mostra, che non ebbe molto successo di pubblico, giocò tuttavia un ruolo significativo nello stabilire la tendenza realistica nell'arte. Courbet fu un notevole maestro della ritrattistica realistica, creatore di opere diverse e originali: "L'uomo ferito", autoritratto (1844), "Amanti nel grembo della natura" (1844-45), autoritratto romantico con il suo moglie (1845), “Ritratto di Baudelaire”, “ Ritratto di Proudhon" (1853-55), ecc. Nel 1855 dipinse un grande ritratto di gruppo "Atelier", dove si raffigurò al lavoro, circondato dai personaggi dei suoi dipinti e amici che la pensano allo stesso modo. Questo è stato il primo ritratto di gruppo di persone d'arte nella pittura francese, accomunate da visioni estetiche simili.

Ha introdotto elementi di paesaggio o interni nei ritratti. A volte i suoi ritratti sembrano studi per dipinti di genere (come Baudelaire, il compositore Berlioz, 1850). Fondamentalmente, la scena di genere è il dipinto “Hello, Monsieur Courbet” (il momento dell’incontro dell’artista con il filantropo Bruyat durante una passeggiata, la versione originale del ritratto di Bruyat, 1854).
Il contributo significativo di Courbet allo sviluppo della natura morta combinata con il paesaggio: “Il rifugio dei cervi” (1866), “Cascata a Conches” (1864), “Onda” (1870), “Capanna in montagna” (1870), “Il mare al largo della Normandia” (1867).

Courbet, come O. Daumier, rifiuta l'Ordine della Legione d'Onore che gli è stato conferito. Tra le migliori opere di Courbet dell'ultimo periodo c'è il dipinto “Il ritorno del curato da una conferenza parrocchiale” (1863), dove mostra satiricamente sacerdoti ubriachi. L'apparizione di questa immagine provocò una tempestosa reazione da parte della Chiesa. Il destino del dipinto si è rivelato tragico: acquistato da uno dei fanatici (con l'obiettivo della distruzione), è scomparso senza lasciare traccia e oggi è conosciuto solo dalle riproduzioni. Durante il periodo della Comune di Parigi, Courbet partecipò attivamente agli eventi: sia come artista che come personaggio pubblico, presidente della federazione degli artisti, “custode di ogni tipo di arte e di museo a Parigi”. Dopo la sua sconfitta, Courbet fu gettato in prigione e condannato a una multa colossale per la distruzione della Colonna Vendôme, nella quale i ribelli vedevano un simbolo di reazione. L'artista, con l'aiuto di amici, riuscì a fuggire in Svizzera, dove, malato, spiritualmente distrutto, continuò a lavorare fino alla morte (il suo paesaggio “Capanna in montagna”, 1870, altri paesaggi montani e diversi dipinti significativi risalgono torniamo a questo periodo).

Le tendenze realistiche progressive, che ricevettero uno sviluppo convincente nell'opera di Courbet di quegli anni, determinarono il ruolo del pittore come capo del movimento realistico nella pittura francese della metà del XIX secolo. Il suo nome è stato associato alla creazione di una nuova estetica, proclamando il valore del quotidiano e del quotidiano nell'arte.
Le sue ceneri furono trasportate in patria solo nel 1919.
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Jean Désiré Gustave Courbet

Artista e grafico francese, fondatore del realismo. Studiò a Ornans e Besançon, poi a Parigi nello studio di Suisse. Nel primo periodo, segnato dall'influenza del romanticismo, Courbet dipinge paesaggi, autoritratti e composizioni basate su soggetti letterari. Al Salon di Parigi del 1850-51 furono presentati i dipinti “Funerali a Ornans”, “Frantoio di pietre” e “Pomeriggio a Ornans”, che lo dichiararono un brillante maestro della scuola realistica. Il realismo del pittore suscitò un forte rifiuto da parte degli ambienti ufficiali, poiché si opponeva all'accademismo accettato nella società ed era socialmente pericoloso. Nei suoi anni maturi, il genere principale dell'opera di Courbet divenne la pittura tematica, i cui eroi sono persone del popolo e contemporanei dell'artista ("La bottega dell'artista", "Ciao, monsieur Courbet", 1854). Dipinse anche scene di genere, nature morte e paesaggi marini. Il pittore trascorse i suoi ultimi anni in Svizzera e dipinse principalmente paesaggi, creando un'immagine generalizzata e maestosa della natura ("Capanna in montagna", 1873).

Courbet Gustave (1819-1877)

Creatività e biografia - Gustave Courbet

Gustave Courbet è un eccezionale pittore francese, un meraviglioso maestro della ritrattistica realistica.

". non è mai appartenuto a nessuna scuola o chiesa. a nessun altro regime se non quello della libertà”.

Nel 1842 creò il suo primo dipinto, che fu un vero successo, “Autoritratto con cane nero”. Anche se dipinto a Parigi, questo dipinto raffigura Courbet seduto per terra all'ingresso della grotta di Plaisir-Fontaine vicino a Ornans. La topografia del territorio percorso da Courbet durante la sua infanzia era così profondamente impressa nella sua mente che poteva facilmente riprodurne a memoria ogni dettaglio. Courbet indossa un cappello a tesa larga sui suoi capelli neri, ricci e molto lunghi, e l'artista indossa un'ampia camicetta di tessuto scuro con fodera rosa e pantaloni grigi con strisce verdi. Dietro di lui a sinistra ci sono un bastone e un album da disegno; invece, sullo sfondo di un paesaggio soleggiato visibile in lontananza, uno spaniel nero dalle orecchie piegate si staglia in una sagoma scura. Nel cielo e sullo sfondo si notano diversi tratti di prova realizzati con la spatola, strumento che Courbet utilizzerà successivamente con grande abilità.

Il cane era un'acquisizione recente, di cui Courbet scriveva ai suoi genitori nel maggio 1842: “Ho acquistato un bellissimo cane, uno spaniel inglese di razza - me lo ha regalato uno dei miei amici; tutti l’ammirano, e in casa di Udo l’accolgono molto più di me”. Due anni dopo, questo autoritratto aprirà a Courbet le porte del Salon: un onore a cui aspirano strenuamente tutti i principianti.

Un viaggio in Olanda (1847), dove fu attratto dalla pittura di genere, si rivelò molto importante per il lavoro di Courbet. La prima opera veramente significativa dell’artista fu il grande dipinto “Pomeriggio a Ornans” (1849), acquistato per il museo. L'importanza di questo evento risiede nel riconoscimento del dipinto di genere come opera d'arte da parte della critica ufficiale.

Il dipinto raffigura un gruppo di persone davanti a un enorme camino nella cucina della casa Ornan di Courbet. I resti del cibo sono stati tolti dalla tavola; restano solo un piatto di frutta, tre bottiglie di vino e quattro bicchieri mezzi bevuti. A sinistra, padre Courbet sonnecchia su una sedia; l'artista stesso siede di fronte al tavolo; il successivo, Adolphe Marlet, dipinto di spalle, accende la pipa con un tizzone da un camino ardente; a destra, Alphonse Promayer suona il violino. Un grosso bulldog dorme tranquillamente sotto la sedia di Marle. La stanza è piena delle ombre della sera; le posture degli ascoltatori, rilassati dopo un pasto abbondante, indicano un sereno godimento della musica.

Gli anni '50 dell'Ottocento sono il periodo più favorevole per l'opera di Courbet, quando furono create le sue opere più importanti, ad esempio "Stone Crusher" - un metro e sessantacinque per due cinquantanove. In una lettera a Vey, Courbet descrive il dipinto e racconta le circostanze che hanno dato origine alla sua idea: “Stavo andando sul nostro carro al castello di Saint-Denis, vicino a Sein-Vare, non lontano da Mezières, e mi sono fermato a guarda due persone: erano la completa personificazione della povertà. Ho subito pensato che quello fosse il soggetto di un nuovo dipinto, li ho invitati entrambi nel mio studio la mattina dopo e da allora ho lavorato al dipinto. su un lato della tela è raffigurato un uomo di settant'anni; è chino sul lavoro, il martello è alzato, la pelle è abbronzata, la testa è ombreggiata da un cappello di paglia, i pantaloni di stoffa ruvida sono tutti rattoppati, i talloni sporgono dai calzini e dagli zoccoli strappati, un tempo blu che sono scoppiati sul fondo. Dall'altro lato c'è un ragazzo giovane con la testa polverosa e la faccia scura. I lati e le spalle nudi sono visibili attraverso una camicia unta e sbrindellata, le bretelle di cuoio sostengono quelli che una volta erano pantaloni e le scarpe di cuoio sporche hanno buchi su tutti i lati. Il vecchio è in ginocchio; il ragazzo trascina un cesto di macerie. Ahimè! È così che molte persone iniziano e finiscono la loro vita. Nel suo romanzo Le Biez de Serines, scritto poco dopo, Francis Vey utilizza quasi alla lettera le frasi della lettera di Courbet per descrivere due frantoi di pietre sul ciglio della strada.

Courbet scrisse ciascuno dei suoi modelli separatamente. Un vecchio di nome Gaji trascorse tutta la vita lavorando sulle strade vicino a Ornans. Il dipinto piacque molto agli Ornan e, secondo Proudhon, alcuni si offrirono addirittura di acquistarlo e di appenderlo sull'altare della chiesa parrocchiale, perché conteneva una morale. Fu Proudhon che nel 1864 definì Courbet il primo vero artista sociale, e “Il frantoio di pietre” il primo dipinto sociale: “Il frantoio di pietre” è una beffa della nostra industrializzazione, che ogni giorno produce macchine meravigliose. per l'esecuzione. una varietà di lavori. e non è in grado di liberare una persona dal lavoro fisico più brutale. " Ma Proudhon ha sempre visto in ogni film solo un trattato sociologico, e non c'è motivo di supporre che Courbet, quando concepì e realizzò Il frantoio di pietre, fosse interessato solo al suono sociale della trama. La lettera a Wei indica che, sebbene l'artista compatisse gli sfortunati lavoratori ed fosse consapevole della tragedia della loro esistenza disperatamente dura e povera, era ugualmente attratto dal lato puramente pittoresco della scena. Più tardi, quando l'influenza di Proudhon sull'artista si fece più forte, Jourbet adottò l'interpretazione moralizzante dell'amico e riuscì talvolta a convincersi addirittura che questo concetto fosse suo fin dall'inizio. Nel 1866, quando Ideville, amico e futuro biografo di Courbet, gli chiese: “Intendevi esprimere una protesta sociale con le figure di queste due persone, piegate sotto il peso del superlavoro? “Io, al contrario, vedo in loro una mite sottomissione al destino, ed evocano in me un sentimento di pietà”, ha risposto l'artista: “Questa pietà. nasce dall’indignazione per l’ingiustizia, e così, senza nemmeno pormi tale obiettivo, ma semplicemente descrivendo ciò che vedevo, ho sollevato una questione che loro [i reazionari] chiamano questione sociale”.

E anche “Funerali a Ornans” (1849), “Village Ladies” (1851). Una volta ammessi al Salon, i dipinti suscitarono scandalo. La critica accademica definì l'artista “apostolo della bruttezza” e della volgarità. Anche "Bathers", apparso due anni dopo, provocò rumorose proteste. Courbet abbandonò in essi l'idealizzazione del corpo femminile, raffigurando una contadina invece di una bellezza da salone.

La delusione lo spinse a costruire a proprie spese il “Padiglione del Realismo” sul territorio dell'Esposizione Mondiale e ad organizzare lì un'esposizione delle sue opere. La mostra, che non ebbe molto successo di pubblico, giocò tuttavia un ruolo significativo nello stabilire la tendenza realistica nell'arte. Courbet fu un notevole maestro del ritratto realistico, autore di opere diverse e originali: “L'uomo ferito”, autoritratto (1844), “Gli amanti nel grembo della natura” (1844-45), autoritratto romantico con il suo moglie (1845), “Ritratto di Baudelaire”, “ Ritratto di Proudhon" (1853-55), ecc. Nel 1855 dipinse un grande ritratto di gruppo "Atelier", dove si raffigurò al lavoro, circondato dai personaggi del suo dipinti e amici che la pensano allo stesso modo. Questo è stato il primo ritratto di gruppo di persone d'arte nella pittura francese, accomunate da visioni estetiche simili.

Il contributo significativo di Courbet allo sviluppo della natura morta combinata con il paesaggio: “Il rifugio dei cervi” (1866), “Cascata a Conches” (1864), “Onda” (1870), “Capanna in montagna” (1870), “Il mare al largo della Normandia” (1867).

Le sue ceneri furono trasportate in patria solo nel 1919.

Per artisti e intenditori, la galleria d'arte Artvedia fornisce informazioni gratuite sugli artisti e sulle loro opere, sia in vendita che in semplice visione.

Gustave Courbet, un artista francese del XIX secolo, divenne famoso per le sue rappresentazioni eccessivamente realistiche di nudi. I suoi dipinti hanno confuso gli spettatori con la loro franchezza. Lo scrittore (figlio), una volta vedendo il dipinto “I Dormienti”, definì Courbet “un grembo che finge di essere un uomo e un artista”. Fino ad oggi, l'opera "L'origine del mondo" è considerata una delle più scandalose e discusse.

Infanzia e gioventù

Jean Désiré Gustave Courbet nacque il 10 giugno 1819 nella città francese di Ornans, vicino al confine svizzero, nella famiglia del proprietario del vigneto Regis Courbet. Fin dalla giovane età, Gustave mostrò carattere: nel 1831 il ragazzo fu mandato a studiare in seminario, ei confessori, ascoltando la sua predica, rifiutarono l'assoluzione. Uno dopo l'altro, i rappresentanti della chiesa scapparono dal dodicenne francese come dal diavolo.

Il piccolo Courbet, volendo mantenere la sua reputazione di malvagio violatore della moralità, teneva un elenco di peccati che potevano essere commessi, dai reati banali ai crimini oscuri. Gli studi in seminario non diedero frutti e nel 1837 Gustave, su insistenza di suo padre, entrò al Royal College di Besançon per i corsi preparatori di giurisprudenza.

Allo stesso tempo, il giovane si interessò alla pittura e studiò con il rappresentante del neoclassicismo, Charles-Antoine Flajoulot. La creatività attirava il francese più della giurisprudenza. Courbet ha scritto:

“Al college ho imparato a disprezzare l’insegnamento. Ho imparato tutto ciò di cui avevo bisogno e ho deciso di non disturbarmi con cose inutili.

Nel 1839, il giovane si recò a Parigi, dicendo a suo padre che avrebbe studiato legge. Nella capitale della Francia incontra François Bonvin, futuro grande pittore di genere. Mostrò a Courbet il Louvre.

Il francese fu particolarmente colpito dai dipinti di piccoli olandesi e famosi spagnoli: Bartolome Murillo, Francisco de Zurbaran, Diego Velazquez. Più tardi, quando divenne un artista, Gustave utilizzò il loro stile per creare dipinti luminosi in toni scuri.

Una visita al Louvre convinse finalmente il giovane a scegliere la pittura come attività principale. Entrò nella bottega del romanziere Charles de Steuben, poi si trasferì in Svizzera e continuò i suoi studi. Forse è qui che inizia la biografia dell'artista Courbet.

Creazione

Nelle officine svizzere non dipingevano paesaggi e nature morte: l'oggetto da rappresentare su tela era la natura umana, il più delle volte nuda. Forse a causa della sua incapacità di lavorare con altri materiali, Courbet iniziò la sua ascesa creativa con gli autoritratti.

Nel 1841 fu dipinto “Autoritratto con cane nero”. Lo “scenario” era l'ingresso della grotta Plaisir-Fontaine. Sul grembo del 22enne Gustave sedeva uno spaniel nero dalle orecchie piegate, di cui un anno dopo l'artista scrisse ai suoi genitori:

“Ho preso un cane adorabile, uno spaniel inglese di razza, me lo ha regalato un mio amico; tutti l’ammirano, e a casa di Udo è molto più gradita di me.”

Nel 1844, Autoritratto con cane nero fu esposto al Salon di Parigi, una prestigiosa mostra in Francia. Successivamente, Courbet dipinge dozzine di autoritratti: “L’uomo con la pipa”, “L’uomo con la cintura di cuoio”, “Ciao, signor Courbet!”, “Disperazione”.

Nello stesso anno, Gustave Courbet intraprende un viaggio in Belgio e nei Paesi Bassi, dove incontra un venditore di quadri. Grazie a ciò, 7 opere dell'artista furono acquistate da Hendrik Willem Mesdach, il fondatore della Scuola di pittura dell'Aia, la scuola più importante dei Paesi Bassi. È così che Courbet divenne noto fuori dalla sua nativa Francia.

Dopo il successo di “Autoritratto con cane nero”, il Salon di Parigi rifiutò di permettere all’artista di esporre: iniziò il periodo d’oro dello stile accademico. Anche altri pittori hanno sentito “No”: Theodore Rousseau, Antoine-Louis Bari. Insieme progettarono di creare uno spazio artistico che fosse prestigioso quanto il Salon di Parigi, ma i piani furono interrotti dalla rivoluzione del 1848.

Dopo la rivoluzione, i dipinti di Courbet compaiono con invidiabile regolarità al Salon di Parigi. Esposto nel 1849, “Un pomeriggio a Ornans” fu acquistato dal governo francese e l'artista stesso ricevette la Gran Medaglia d'Oro del Salon. Il premio ha permesso a Gustave di continuare a esporre senza permesso.

Nel 1853, Courbet realizza e presenta al pubblico il dipinto “Bagnanti”. Al centro della tela c'è una donna paffuta di schiena. A differenza dei rappresentanti del Rinascimento, questa donna, secondo gli standard moderni, era indecentemente grassa e flaccida. Un critico ha osservato che alla vista di un corpo del genere “anche un coccodrillo perderebbe l’appetito”.

Nel dipinto abbiamo trovato anche motivi biblici. Pertanto, la posizione delle eroine ricordava le pose del racconto evangelico “Non toccarmi” (dipinto di Antonio da Correggio “Noli me tangere”). Lo spettatore non era pronto per un'immagine così realistica e quando ha visto l'immagine, l'ha frustata di proposito con una frusta. Gustave Courbet, aspettandosi i più alti elogi dalla società, divenne solo orgoglioso:

"Ho inorridito l'intero mondo dell'arte."

Le critiche poco lusinghiere non spaventarono il pittore e continuò a dipingere nudi. A volte le donne delle fotografie del fotografo francese Valloux de Villeneuve posavano per lui, e quindi le opere di Courbet cominciarono ad assomigliare più a fotografie realistiche che a opere d'arte.

Nel 1866, Gustave Courbet dipinse due dipinti scandalosi contemporaneamente, uno dei quali, “L’origine del mondo”, fu esposto per la prima volta solo nel XX secolo. Il dipinto “Dormienti”, diventato pubblico nel 1872, provocò un’altra tempesta di indignazione.

Il dipinto raffigura due ragazze nude che dormono, probabilmente dopo un rapporto sessuale, come suggeriscono i gioielli sparsi e la biancheria da letto spiegazzata. L'oscenità del dipinto provocò un'indagine della polizia nel 1872. Per più di un secolo, fino al 1988, l'opera è stata conservata in collezioni private, con divieto di pubblicazione.

“Da quale mostro... potrebbe provenire questo bastardo? Sotto quale cappuccio, su quale mucchio di letame, annaffiato con una mistura di vino, birra, saliva velenosa e muco puzzolente, cresceva questa zucca pelosa e dalla voce vuota, questo grembo che si finge uomo e artista, questa incarnazione dell'idiota e impotente”, Alexandre Dumas (figlio) si indignò in una lettera a George Sand dopo aver visto The Sleepers.

Fortunatamente, Dumas Jr. non ha colto il dipinto più scandaloso di Courbet, "L'origine del mondo", ma è diventato la chiave per svelare il grande mistero artistico: chi fosse il modello. La tela, commissionata dallo sceicco Khalil Sherif Pasha, raffigura una donna con i fianchi distesi: in primo piano ci sono i genitali ricoperti di peli, poi il ventre e il seno nudo.

Secondo la versione diffusa, l'irlandese Joanna Hiffernan, una delle "Dormienti", l'amante dell'artista James Whistler, posò per Courbet.

Nel 2013, un collezionista privato ha mostrato la seconda parte ritrovata dell'Origine del mondo. Il dipinto raffigura la testa di una ragazza, presumibilmente l'eroina del dipinto scandaloso. Il critico d'arte Jean-Jacques Fernier ha riconosciuto la ragazza come Hiffernan.

I lavoratori del Museo d’Orsay, dove è ora esposto l’originale “L’origine del mondo”, hanno contestato questa teoria. Nel 2018, lo storico Claude Schopp ha decifrato la frase contenuta nelle lettere di Alexandre Dumas (figlio):

"È impossibile descrivere con il pennello più elegante e preciso il delicato interno di Mademoiselle Quenier dell'Opera."

Probabilmente stavamo parlando della famosa ballerina Constance Quenier, che al momento della stesura di “L'origine del mondo” era l'amante dello sceicco Khalil Sherif Pasha. Gli storici dell'arte moderna considerano questa ipotesi la più plausibile.

"L'origine del mondo" è il dipinto più scandaloso della collezione di Gustave Courbet. Scritto nel 1866, sopravvisse alla seconda guerra mondiale, era considerato perduto, ma fu ritrovato nel 1955 dallo psicoanalista Jacques Lacan. L'opera è stata tenuta segreta da occhi indiscreti dietro una tela in movimento ed è servita da ispirazione per scrivere l'opera "I quattro concetti fondamentali della psicoanalisi".

Dopo la morte di Lacan, il dipinto fu ceduto al museo d'Orsay per pagare le tasse di successione. Da allora, “L’origine del mondo” è stata esposta dietro un vetro antiproiettile, con una guardia di sicurezza in servizio 24 ore su 24 per impedire reazioni violente da parte dello spettatore.

Vita privata

Poco si sa della vita personale di Gustave Courbet. Dicono che l'artista abbia costantemente avuto relazioni con modelle, tra cui Joanne Gifferman e Constance Caenier. Ma una di loro, Virginia Binet, attirò l'attenzione di Courbet per 10 anni.

La coppia si incontrò a Parigi all'inizio degli anni Quaranta dell'Ottocento. Nel 1847 ebbero un figlio, destinato a vivere 25 anni. Nel 1850 gli innamorati si salutarono, presumibilmente perché Gustave era annoiato dalla compagnia della sua unica ragazza. Virginia tenne il bambino per sé.

Morte

Nel 1871, Courbet sostenne la Comune di Parigi. Fu nominato Commissario alla Cultura, i cui compiti includevano la protezione delle opere d'arte durante l'assedio di Parigi. Approfittando della sua posizione ufficiale, l’artista propose di demolire la Colonna Vendôme, che presumibilmente dava “l’impressione di un ruscello insanguinato in un giardino tranquillo”.

Lo afferma il decreto sulla demolizione del monumento

“la colonna... è un monumento alla barbarie, un simbolo della forza bruta e della falsa gloria, un'affermazione del militarismo, una negazione del diritto internazionale, un continuo insulto ai vinti da parte dei vincitori, un continuo attacco ad uno dei tre grandi principi della Repubblica francese: la Fratellanza...”.

Il 18 maggio 1871 la colonna fu demolita e dieci giorni dopo cadde la Comune. I seguaci furono giustiziati o arrestati. Inizialmente Courbet riuscì a evitare la punizione. Il 30 maggio la polizia ha perquisito il suo studio e ha confiscato 106 dipinti. Il 7 giugno Gustave fu catturato. Per il rovesciamento della Colonna Vendôme fu condannato a sei mesi di prigione. L'artista ha dovuto rimborsare anche i soldi spesi per il restauro del monumento.

Courbet dovette svendere i quadri, ma il ricavato non fu sufficiente. Non volendo fallire a causa di pagamenti annuali di 10mila franchi, il 23 luglio 1873 l'artista fuggì in Svizzera.

La cattiva salute, in particolare lo sviluppo di emorroidi e idropisia, trasformò gli ultimi anni di vita di Courbet in un inferno. La morte lo colse il giorno prima del 1878, il 31 dicembre 1877.

Lavori

1841 – “Autoritratto con cane nero”
1845 – “Disperazione”
1849 – “Dopo pranzo a Ornans”
1853 – “Bagnanti”
1853 – “Windwinners”
1854 – “Salve, signor Courbet!”
1855 – “La Bottega dell’Artista”
1861 – “Donna in calze bianche”
1866 – “Dormienti”
1866 – “L’origine del mondo”
1870 – “Onda”

“Da quale mostro potrebbe provenire questo bastardo? Sotto quale cappa, su quale letamaio, annaffiato con una mistura di vino, birra, saliva velenosa e muco puzzolente, è cresciuta questa zucca pelosa e dalla voce vuota, questo grembo che si finge uomo e artista?, - questo è esattamente il modo in cui Alexander Dumas, il figlio, ha parlato emotivamente e con rabbia di questo maestro.

Gustavo Courbet scioccò il pubblico sofisticato del XIX secolo con le sue passioni creative uniche. Le sue opinioni sull'arte provocarono disgusto, ammirazione o indignazione, ma non lasciarono nessuno indifferente. Inoltre, anche il comportamento dell'artista rivoluzionario era tutt'altro che ideale. E si guadagnò la reputazione di "burlone rumoroso" nel 1831, quando era uno scolaro.

L’interesse del giovane Courbet per il disegno nasce grazie a “Papà” Bod, l’insegnante del ragazzo. Ma il padre considerava suo figlio un avvocato di successo, quindi il figlio rispettoso, ascoltando il consiglio dei suoi genitori, studiò diligentemente legge al Royal College di Besançon. Allo stesso tempo, non ha dimenticato di prestare attenzione all'arte, studiandola presso l'Accademia locale. Ma un giorno la scelta finale fu fatta a favore della creatività e Gustave Courbet si trasferì a Parigi, dove iniziò a padroneggiare il mestiere.

Il giovane era un assiduo frequentatore di musei, dove copiava diligentemente le opere di famosi pittori. È vero, Gustave rimase subito profondamente deluso dai dipinti della scuola francese. Guardando con disprezzo le tele, dichiarò coraggiosamente ai suoi compagni che non sarebbe diventato un artista se la vera pittura fosse consistita solo in tali opere.

Il maestro ha voluto sistematizzare le sue conoscenze e ha studiato le opere di ciascuna scuola d'arte in stretta sequenza. Qualche tempo dopo, Courbet utilizzò abilmente la conoscenza accumulata, per cui i suoi amici lo soprannominarono "Courbet il predicatore". Un giorno, i suoi compagni portarono Gustave al Museo del Lussemburgo, lo misero davanti al dipinto e gli chiesero la sua opinione sulla tela. L’impudente Courbet rispose:

“Farei lo stesso domani se osassi”

Era ambizioso e assetato di riconoscimento, per il quale cercava un tema di successo e sperimentava stili. Ma i risultati dei suoi esperimenti non hanno avuto successo e la maggior parte delle opere proposte sono state criticate dai membri della giuria del Salon. Solo l'Autoritratto con un cane nero, in cui l'artista si è raffigurato seduto vicino all'ingresso della grotta di Plaisir-Fontaine, ha ricevuto una valutazione più moderata da parte dei giudici. Sul lato sinistro di Courbet c'erano un album da disegno e un bastone, e sul lato destro c'era uno spaniel nero.

Gustave ha utilizzato lo stesso dipinto come bozza, testando un nuovo strumento di disegno su tela. Sullo sfondo sono visibili diversi tratti imprudenti eseguiti con una spatola. Ma anche “Autoritratto con cane nero” non rafforza la posizione di Gustave Courbet, anzi la peggiora dopo il suo matrimonio con Virginia Binet;

Ma presto la fortuna sorrise al maestro: un commerciante olandese acquistò due opere finite dell'artista e promise di fare più ordini se Courbet fosse venuto in Olanda. Il maestro pensò a lungo; i suoi compagni, tra cui Charles Baudelaire, Pierre Proudhon e altri giovani artisti e scrittori, lo aiutarono a prendere la decisione finale. Gli amici si riunirono in una taverna, che tra loro chiamavano il "Tempio del realismo". Fu lì che discussero le idee che costituirono la base dello stile pittorico realistico dell'arrogante Gustave Courbet.

I critici sputarono apertamente contro l'artista, i caricaturisti non erano contrari alla parodia di nessuna delle sue opere e gli spettatori si infuriarono quando il maestro presentò i suoi dipinti scandalosi. La forte reazione al realismo era giustificata per due ragioni: questo stile sembrava pericoloso perché era attivamente sostenuto dai socialisti, e la sua estetica si opponeva allo stile accademico adottato al Salon.

L'artista ha trattato l'opinione della società con scherno e, non senza piacere, ha dichiarato la sua opposizione all'ordine esistente:

“Non sono solo un socialista, ma anche un democratico e un repubblicano. In altre parole, sono un rivoluzionario fino al midollo."

Se i classicisti raffiguravano eroi antichi, e i romantici preferivano individui eccezionali in circostanze eccezionali, allora i realisti, ai quali Courbet si considerava, facevano dei loro contemporanei e delle loro preoccupazioni quotidiane il tema principale del loro lavoro.

Gustave descriveva tutto come reale e non riconosceva l’“abbellimento”. Ad esempio, nel 1849 fu creato il dipinto “Funerale a Ornans”, in cui i francesi comuni erano raffigurati a tutta altezza sullo sfondo di una composizione storica. Le figure riempiono quasi l'intero spazio e l'aspetto indifferente dei partecipanti al rituale conferisce vitalità alla trama.

Courbet era particolarmente bravo nei ritratti di donne. Furono loro a suscitare la più grande indignazione della parte altamente morale della società, pronta a lanciare pietre contro l'artista sfacciato. Così, nel 1853, il dipinto “Bagnanti” fece molto rumore. Quest'opera è un'aperta protesta contro le vecchie trame e i concetti precedenti di raffigurare una persona "in ciò che sua madre ha dato alla luce".

I critici hanno accusato l’artista che la donna nella foto era troppo realistica, “dimenticando” che, secondo i canoni del classicismo, i contorni e le forme da ragazza appartengono esclusivamente a personaggi mitici. Nel Salon furono espresse opinioni secondo cui anche i coccodrilli avrebbero perso l'appetito se avessero visto una donna così magnifica. E anche le pose delle eroine della foto hanno confuso il pubblico. Ad esempio, in una ragazza con la mano alzata hanno visto un accenno di Maria Maddalena, e un'interpretazione così dubbia ha immediatamente lasciato sull'immagine un'impronta di blasfemia e un atteggiamento blasfemo nei confronti della fede. Usavano persino ridicoli e meschini ridicoli e cavilli sul fatto che il mantello sui fianchi della donna raffigurata non era abbastanza pulito.

Nel 1854, l'artista completò il dipinto realistico “Hello, Monsieur Courbet!”, che fece scalpore all'Esposizione Mondiale di Parigi del 1855. Allo stesso tempo, l'artista fu dichiarato paladino della nuova arte anti-intellettuale, e in seguito iniziò la sua aperta opposizione ai circoli ufficiali.

Rifiutato dal Salon, Gustave organizza una mostra privata al Padiglione del Realismo. Courbet sperava nell'ammirazione e nel sostegno del pubblico, ma l'iniziativa ripagò a malapena le spese di costruzione dei locali.
Ma solo due anni dopo è stato presentato ufficialmente il dipinto “Le cameriere sulle rive della Senna”, considerato un’espressione artistica di “idee morali, psicologiche e sociali”.

Da quel momento iniziò l'ascesa creativa di Courbet, che non poteva essere interrotta né dalla reclusione, né dal ridicolo di un pubblico incompetente, né dai problemi con le autorità. L'artista ha seguito fermamente la sua posizione civica e ha sostenuto una rappresentazione realistica della realtà. Una volta ne parlò al signor Delacroix:

“Come dipingi gli angeli quando li hai visti? E se non li hai visti, come puoi scriverli? Quindi scrivo solo quello che vedo"

Il nome di questo artista realista, dotato di notevole talento, è entrato saldamente negli annali delle belle arti europee. Il suo lavoro era odiato e ancora oggi i critici stranieri spesso sminuiscono il significato dei suoi dipinti e cercano di consegnarli all'oblio. Alexandre Dumas, il figlio, parlò con rabbia dell'autore, che scioccò il pubblico del XIX secolo con le sue opinioni sull'arte: “Da quale mostro è venuto questo bastardo In quale mucchio di letame è cresciuto questo grembo peloso, fingendo di essere un uomo? "

Consideriamo la biografia e il lavoro di questo straordinario maestro, che ha evocato emozioni così forti nella società.

Gustave Courbet: biografia

Il talentuoso artista nacque nel 1819 in un piccolo villaggio della Francia e la sua vita coincise con eventi incredibilmente importanti nella storia del paese. Suo padre, un ricco agricoltore, sognava che suo figlio diventasse un avvocato di successo e lo mandò a studiare al college di Besançon, dove il giovane di sua spontanea volontà iniziò a studiare pittura.

Giunti ai vent'anni, il giovane si reca a Parigi, dove visita vari laboratori d'arte e ammira le opere del Louvre, ma non si dedica alla giurisprudenza. Il giovane Gustave Courbet valuta davvero la sua base di conoscenze piuttosto modesta e cerca di comprendere tutti i segreti della pittura. Avendo dimenticato che i suoi genitori lo mandarono nella capitale della Francia per studiare legge, si dedica interamente all'arte. Più tardi, Gustave Courbet sottolineerà: “Non avendo insegnanti stabili, ho imparato tutto da solo”. Il giovane sognatore è affascinato dalle opere di Delacroix e Ingres, Rembrandt, Caravaggio e Tiziano. All'inizio copia i grandi dipinti dei maestri, ma capisce che il talento da solo non basta per diventare un pittore famoso.

Sogni realizzati di fama e riconoscimento

Era necessario esporre le loro opere in mostre d'arte e le opere per loro venivano selezionate da una giuria speciale. Mostrare i suoi dipinti alla società significava fama e riconoscimento per il creatore, e dal 1841 Courbet Gustave invia annualmente tele al comitato di selezione, ma la fortuna gli sorriderà solo pochi anni dopo, e l'opera "Courbet with a Black Dog" è finalmente notato dalla critica. Il comitato di selezione rifiuta il resto dei lavori e l'artista prende duro per i fallimenti.

Dopo la rivoluzione, la Francia diventa una repubblica e i cambiamenti nel sistema politico comportano cambiamenti nella società. Fu abolita la giuria del salone d'arte, di cui Gustave Courbet non mancò di approfittare, i cui dipinti furono finalmente notati, e la gente cominciò a parlare del maestro, ma non in modo elogiativo.

Tele scioccanti

Il pubblico sofisticato era abituato a vedere sulle tele bei volti in interni chic, e l’artista fu il primo a raffigurare rude provinciali su uno sfondo cupo, quindi non sorprende che la società non accettasse le opere scioccanti del maestro. Tuttavia, Courbet aveva seguaci e ammiratori del suo talento, che dichiararono Gustave il fondatore di un nuovo stile artistico: il realismo.

Un rivoluzionario che ha ricevuto il riconoscimento

L'artista legge libri di scrittori utopici e si considera un socialista anarchico, che attira l'attenzione della società. Un pittore di talento che vuole davvero ottenere riconoscimento e attenzione si dichiara addirittura repubblicano e rivoluzionario nel profondo. Secondo i ricercatori del lavoro di Courbet, ha scelto il momento giusto per una simile affermazione.

Quando la repubblica fu sostituita da un impero e Napoleone III salì al potere, la fama dell’artista raggiunse il suo apogeo. L'imperatore non favoriva i rivoluzionari e spacciava il rifiuto di esporre opere alle mostre che Gustave Courbet accolse come persecuzione per motivi politici. Il pubblico, avendo sentito parlare molto delle creazioni disonorate, era ansioso di vederle per formarsi la propria opinione.

Nel 1853 scoppiò un grande scandalo associato al lavoro dell'artista realista. Courbet ha esposto un'opera scioccante, "Bagnanti", che ha indignato il pubblico rispettabile. La coppia imperiale considerava offensivo il dipinto, che raffigura una donna nuda e paffuta che dà le spalle allo spettatore. L'opera trovò immediatamente i suoi ammiratori e detrattori.

Anti-esibizione del realismo

A quel tempo, l'artista Gustave Courbet era diventato famoso, ed era patrocinato da un ricco mecenate, con i cui fondi fu costruito il "Padiglione del Realismo", dove il creatore espose le sue opere. Si è trattato di una sorta di anti-mostra, in cui il pubblico ha potuto conoscere 40 dipinti vecchi e nuovi del pittore. Il padiglione con opere scritte nello stile del realismo era popolare non solo tra la gente comune, ma anche tra i critici.

La tragedia che paralizzò il pittore

Gustave Courbet, che si guadagnò una reputazione scandalosa, i cui dipinti non lasciarono nessuno indifferente, sostenne una rappresentazione realistica della realtà. Il pittore guadagna seguaci, i suoi dipinti vengono esposti in varie città europee con costante successo. Tuttavia, Courbet, che rivendica la libertà di sviluppo della società e si oppone al potere statale, viene arrestato e imprigionato dai reazionari francesi. Viene condannato a sei mesi di prigione e ad un'enorme multa, che l'artista malato non ha potuto pagare. Accadde una cosa terribile: tutte le tele furono confiscate, la bottega dove lavorava il pittore fu distrutta e non si parlò di esporre.

Depresso da quanto sta accadendo, Gustave Courbet fugge dal paese in Svizzera, ma non ha più la forza di lottare e protestare. Raramente prende in mano pennelli e colori e dalla sua penna escono solo paesaggi. Il 31 dicembre 1877 l'artista muore, e passano più di quarant'anni prima che le sue ceneri vengano trasferite in patria in segno di tardivo riconoscimento. Con la sua opera il pittore preparò il terreno su cui nacque la nuova arte.

"Courbetista"

Il realismo dell'artista amante della libertà è associato agli eventi rivoluzionari che si svolgono nel paese. Si ritiene che questo sia il modo in cui Courbet Gustave ha reagito ai disordini in Francia. Le rivolte popolari contribuirono alla nascita di un “nuovo” maestro, le cui opere furono destinate alla fama mondiale. Nonostante Gustave faccia affidamento sui risultati di brillanti creatori delle epoche passate, l’artista sviluppa il proprio stile e si definisce con orgoglio un “courbetista”.

Il cupo realista Gustave Courbet

Il dipinto "Stone Crusher", creato nel 1849, provoca un'enorme risonanza. Il suo autore solleva nella sua opera una questione sociale che lo ha preoccupato per tutta la vita. L'artista esamina il problema dell'estrema povertà: un vecchio frantuma una pietra e il suo giovane assistente versa le macerie in un mucchio. I volti dei poveri operai, la cui pelle è scurita dalla polvere, non esprimono nulla. Gustave raffigurava persone di età diverse stanche di un lavoro monotono su uno sfondo cupo, non animato da nulla. I colori scuri sono noiosi come l'ambiente in cui vivono un uomo e un giovane, rendendosi conto che il futuro non promette loro nulla di buono.

Lavoro scandaloso completato nel 1866

"L'origine del mondo" è un dipinto dell'artista realista Gustave Courbet, riconosciuto come l'opera più scandalosa della storia della pittura. Per molto tempo è stato in collezioni private, e negli anni '90 del secolo scorso è finito in un museo parigino, dove ora è esposto sotto un vetro antiproiettile. L'autore ha raffigurato un torso femminile nudo, declassificando ciò che era sempre rimasto nascosto. Non è un caso che lo spettatore moderno, che ha già visto molto, si senta in imbarazzo davanti al quadro.

La tela a grandezza naturale colpisce per la sua cruda sensualità. Una notevole rotondità dell'addome è indice della nascita di una nuova vita. L'autore sembra confondere i concetti di “vizio” e “fertilità”, mostrando la realtà senza abbellimenti. Courbet ha nascosto il volto della sua eroina, creando un'immagine collettiva di una donna sdraiata su un lenzuolo bianco come la neve. La tela realistica sciocca ed evoca una sensazione di rifiuto. Il pubblico indignato è indignato dal fatto che l'artista, che ha cercato di capovolgere una persona, abolisca tutti i concetti tabù e spii deliberatamente le persone nei loro momenti più intimi.

Le tele del maestro risuonano come un colpo di cannone nel silenzio. Gli spettatori non vogliono vedere la realtà nelle opere d'arte e non vogliono conoscere la verità. E l'audace Gustave Courbet, il cui lavoro è stato costantemente criticato, ha cercato consapevolmente di garantire che la società non dimenticasse che nel mondo non c'è solo bellezza e felicità.